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发表于 2011-11-19 11:11
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闲话诗歌之《碎言碎语》
1)面对诗歌,这些年,我能做到的,就是从不说谎,认真地阅读、思考和评论。我知道诗歌的好坏,名气无用,永远都是文本说话。
2)好的诗歌,同样是“深入浅出”的,自在又当行。复杂的思想、深刻的体验,却要用最质朴、简单的语言说出,才是诗中的上品。大巧若拙,举重若轻,最高的技巧是无技巧。
3)技巧好学,诗意难求。文字之美易抒,内容之融难筑。
4)诗不该教训人,而是在感化人。“换我心为你心,始知相忆深”,一切的文学艺术,都和心有关。诗者,必要先自知其心,方能度他人之情。倘若能物我转换,神交意会,方能让诗之精神,长存天地而不灭。
5)文人多以自我为中心,此非错,但必要自我拓展,然后到自我消灭。无非是我、非我到无我,才有大气候之成就。诗写者的诗,是最直接面对自我心灵的篇章,是诗者整个人格的灵魂王国。
6)现在之心境,该是寂寞心,许多作文作诗者,皆有此心。“朱弦一拂遗音在,却是当年寂寞心。”
7)“诗人皆寂寞,哲人也寂寞。诗人情真,哲人理真。二者都出于寂寞,结果是真。诗人欣赏寂寞,哲人处理寂寞。诗人无法,哲人有法,诗人放纵,哲人约束。然大诗人也是哲人,大哲人也是诗人。”正所谓水火不融之后的自然交融。这一大段文字,出自顾随的《驼庵诗话》,爱之藏之,自赏之!
8)去除油腻的语言和惯常的表达方式,在破坏中,找到新生的语言,进步是从破坏开始。把诗写得像诗容易,把诗写得不像诗太难。常常有人用诗的语言写散文,也常常有人用散文般的语言写出好诗。这就需要诗者对语言的把握好比画家对色彩的把握,雕刻家对石头的把握。
9)写诗是一种乐趣,其乐之一在于,你不知道下一步,它会把你带向哪里?天堂还是地狱?曲径通幽,还是直接抵达?写诗的过程,有时就是一场“永无止境的大冒险”。
10)写作的过程中,我常常会感觉到力不从心,有时我会在一群词语之中迷失,我被语言窒息,又被语言释放,语言从脑海中涌现后落下,变成文字,这已经隔了一层,制约了最早的诗意意图。诗一旦完成,它就成为了独立的文本,它是否到达了作者原本表达的心灵之地,这个过程,总有遗憾和遗失。灵魂和精神这虚妄的超验体验,有时不可言说。我必须借助“技巧”这一浸透着时间的雕刀,将石头里的“马”逐渐呈现。
11)各种不同风格的诗歌,相互拒绝,有时就是为了存在。这让我想到网络时代,带给我们的好与不好,大量诗歌出现了同化、浸染和伪劣的复制。对诗本质的理解不同,构成了各自不同的诗观和流派。在我看来,吸纳众家所长,保持自我,没有流派,才是最纯粹的诗者。不结派,不喧哗,诗人其实永远是孤独的,也永远是寂寞的。
12)庄子云:化腐臭为神奇。要在平凡之中挖掘神奇,又要在神奇之中,呈现平凡。诗人写诗立意,必要打开心眼,写别人所未写之境,发别人未抒之情。所谓力在内,动在外。内在之力与生命联通,文字的舞动(节奏)等技艺是形式呈现内容的载体。求新,求变是诗歌创造之路上永恒的脉搏。诗歌永远是“喜新厌旧”的进程,这句话绝非虚言。
13)诗歌某种意义上就是生活,是充满了活力的经历和体悟。美国诗人沃伦曾言:“肉体的感受是诗歌的意义”,他认为“一首诗歌读罢,如果你不是直到脚趾都有感受的话,那不是一首好诗。”此言虽然偏驳,但却耐人寻味。
14)诗人写诗,必要通史知根,只有把握了本民族的历史传统思想和文化的根源脉向,才能知行合一,写出有生命力、上通下达的好诗。留传世经典之文本于后人。
15)诗人常常羡慕音乐的情境。音乐是唯一可以和灵魂共同呼吸的天籁之声。所以音乐无国界。音乐的高下、长短、疾徐可以表现出灵魂的轻重、明暗、乐悲的最高境地。这是语言和文字一直渴望达到心灵极地和仙境。所谓“纯诗”的境地。而纯诗境地是一个永难触及的形而上的水月。
16)伟大的思想家、文学家其身上有三个特性:一为感觉敏锐,二为情感丰盈热烈,三为理智达而睿。诗者亦然,有天才,更需有修养和境界。魏文帝虽为天子,却真有寂寞之心,真敏感,情热烈。清朝有纳兰性德,与之可媲美。
17)诗之凝练、含蓄,是指向诗的内容而言,非仅仅是词汇。要在有限的诗行里,蕴藏丰富的生活内涵。最大限度地增加诗歌的容量和弹性。古人云:炼字不如炼句,炼句不如炼意。由此看,诗歌的确需要修剪、润色、增删和提纯。诗的凝练和含蓄,需要删繁就简,还原诗的质朴和单纯。枝节繁茂、修饰过浓,会将诗意掩盖和淹没。这依然回到了“深入浅出”的领悟。
18)诗的凝练和含蓄是抒情诗、也是象征诗的主要特点之一。诗可象征、可虚实相见,可大幅度地跳跃,可在结尾之句里,韵外有韵,句外有句。但这所有都必须合理地构筑在诗作的整体结构和内容里。
19)诗到语言为止,可见语言对于诗歌的重要性。好的语言入诗,是诗成败的前提之一,引申而下,“诗是最好的文字(语言)的最佳排列”。语言文字是诗的细胞,诗是由无数的细胞组成的血肉整体。如果一个诗人的语言贫乏,是致命的。好的构思,是需要好语言呈现的。语言要和作品的内容、作者的情感和思想水乳交融。其中在诗歌的写作中,最忌讳的一点:是用理性压倒形象,本末倒置。诗歌不是说理,是传情和意会。所以诗的传神,是在于其语言表现的形象,是生动可感的,是活物也。
20)各类艺术中,音乐和绘画和诗歌走得最近。比如我们在诗歌赏析中,常常会用到“节奏”“旋律”“力度”“色彩”“意境”“写意”等音乐和绘画的术语和概念。那么音乐、绘画和诗歌,其艺术目的和理想,都是想创造出一种境界。这个境界是存在于作品内在结构的整体性里。所以诗人在创作中,一首诗的整体性思维尤为重要。推而论之:诗应当对内在节奏和韵律的把握适当,整体和谐、浑然一体,是“有声有色”的思想。
这三门艺术的共通之处:都讲究和谐,只是所使用的道具不同,承载之物不同而已。音乐用音符,绘画用色彩,诗歌用语言,三者之间呈现的情境可互通,又各有不同的属性。就诗而言,诗人是通过对语言文字的调遣,控制情绪的高低、强弱,表现典型环境中的典型情绪,诗歌中有旋律、有节奏、有色彩、有明暗,整体则要求和谐,连冲突本身也是和谐的另一种体现。
在诗的整体中,创造出境界,即诗的意境。它是诗人思想感情和客观事物契合后,形成的艺术境界。诗的意象之美,有时也如音乐,有着“不可言传”之美。诗之节奏,好比生命的脉搏,不同的感受,呈现不同的喜怒哀乐的情境。
现在的许多诗人,用呼吸的节奏,安排诗行的长短,形成诗的节奏感。愤怒时,呼吸短促,字数少;恬静时,呼吸舒缓,句可长。诗的韵律和节奏,呈现诗的内容和形式,形式和内容是不能截然分开的。在现代诗里形式只是内容的延伸,不能存在于内容之外。诗的节奏和内容是有机地存在于诗行的整体之中的。不同内容的诗,总有其内在最佳的节奏感。重复和间歇,都是节奏的必要因素,其中的度,就需要诗人从语言的调遣、意象的整体、结构的完整上,进行把握了。
总之,诗是有声有色的思想,与音乐和绘画相通。
2011年11月18日整理 |
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